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Calificación:

Ficha:

Sinopsis:

China, Diciembre de 1.937. El país está en guerra con Japón. Beijing y Shanghai ya han caído. Las tropas japonesas llegan a las puertas de Nanjing, la capital. Después de semanas de bombardeos los oficiales locales y extranjeros han huido de la ciudad en ruinas. Kadokawa, un silencioso y romántico soldado japonés, observa la brutalidad de la guerra, incapaz de impedir sus acciones. Nanjing se está convirtiendo en un infierno. Todos se esfuerzan en sobrevivir en una ciudad donde la muerte es más fácil que la vida.

Comentario:

Año 1.937. Las tropas japonesas entran en la capital de China, cuya ocupación será conocida como ‘La violación de Nanjing’. Estructurada en dos partes –del horror de la batalla a sus secuelas, del terror masivo al drama privado-, la película alterna el punto de vista de los japoneses y los chinos para pintar un retrato épico e impresionista, en blanco y negro, de la tragedia. En las imágenes de la cinta, Concha de Oro del Festival de San Sebastián, resuenan los ecos de “Salvar al soldado Ryan” y “La Lista de Schindler”.

Crítica:

09-04-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Violación en Nanjing

La Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián avala este impresionante filme bélico, ambientado durante la invasión japonesa de la capital provisional de China en 1.937. Lo cual dio paso a una espantosa situación límite, conocida como ‘La violación de Nanjing’, mostrada aquí de forma realista, capaz de inquietar al más curtido espectador. Rodada con abundancia de medios, a toda pantalla y en blanco y negro, “Ciudad de vida y muerte” se convierte así en una implacable reconstrucción histórica que conlleva un inequívoco alegato antibelicista, ajeno por completo a cualquier tipo de retórica o intenciones espurias.

Asimismo, una crueldad sin límite y la imprescindible reflexión política, propia de una época de intolerancia desatada a escala mundial, encuentran en la película su oportuna ubicación, en un conjunto austero, riguroso e implacable. Abundan los títulos relacionados con la II Guerra Mundial, enmarcados tanto en Europa como en el Pacífico, pero son muy pocos lo que tienen lugar en la inmensa China. Las excepciones son “Tempestad en Asia (Robert Wise, 1.953)”, cuyo argumento se desarrolla en el desierto de Gobi, y “El imperio del sol (Steven Spielberg, 1.987)”, donde la acción se sitúa en Shanghái.

Así que bienvenida sea “Ciudad de vida y muerte”, siquiera sea para recordar a las nuevas generaciones la locura colectiva en la que se vieron sumidas muchas naciones y millones de seres humanos. Guerras, horrendas guerras, capaces de sacar a flote lo peor del ser humano -a veces, también lo mejor-, perfectamente documentado esta vez por el realizador oriental Lu Chuan, al tiempo que se las apaña para extraer toda su capacidad de indignación por medio de unas imágenes impactantes, dotadas de un magnetismo sobrecogedor. Un título, en suma, de acoso y dentellada, en las antípodas del cine comercial al uso, resuelto sin florituras de ningún tipo, donde el dolor corre a raudales, capaz de no dejar a nadie indiferente.

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Calificación:

Ficha:

Sinopsis:

En la época de la Dinastía Han, en el año 208 a. C., China estaba dividida en varios estados que luchaban entre sí y hacían caso omiso de las indicaciones del emperador Han Xiandi. La debilidad del gobernante ayudó al primer ministro Cao Cao a declarar la guerra al reino de Xu, cuyo líder, Liu Bei, era tío del emperador. El objetivo de Cao Cao estaba claro: eliminar todos los reinos y hacerse con el poder absoluto de la nación. Su ejército se preparó para el combate en el bosque Crow, más allá del Yangtsé, mientras los aliados aguardaban en el acantilado rojo que da nombre a esta película.

Comentario:

Dieciséis años después de dirigir “Hard Boiled”, John Woo rubrica un pletórico regreso a su tierra natal con esta monumental adaptación del ‘Romance de los Tres Reinos’, en la que la China del siglo III es representada como una tierra mitológica cargada de heroísmo, grandes batallas y mucha tradición. Aliñada con buenas dosis de preciosismo wuxia, épica infográfica y un Tony Leung en estado de gracia, esta superproducción que arrasó en la taquilla china no oculta su deseo de alzarse como una versión asiática de “Troya”.

Crítica:

19-03-2.010 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Trono de sangre

Tras cerrar su círculo creativo, comenzado en Hong Kong (“Honor, plomo y sangre”), continuado en Hollywood (“Misión imposible II”) y terminado en su país natal, China, el realizador John Woo nos ofrece con “Acantilado rojo” una ambiciosa recreación histórica, centrada en la reunificación de un imperio milenario, enmarcado en el año 208 a. de C. A partir de ahí, personajes de una nobleza a toda prueba, maquiavélicos conspiradores, políticos venales y feroces batallas, se dan cita en este filme dirigido con toda la espectacularidad propia del caso, a pesar de lo discontinuo de los hechos narrados. Agujeros negros argumentales que no deturpan la concepción general de esta epopeya, en la que se insertan aspectos de una cultura ancestral, tan misteriosa como sugestiva. Así pues, la incuestionable belleza visual y los gigantescos movimientos de masas son los dos ejes sobre los que pivota el filme, bañado por una plástica rica en tonos cálidos, con el color rojo (para los chinos significa buena fortuna) y el verde (lo asocian con la muerte) como elementos pictóricos distintivos de esta saga guerrera, sazonada con ribetes fantásticos.

Una superproducción en toda regla, un poco al estilo hollywoodiense, más vistosa que rigurosa, pero muy brillante. Asimismo, la vertiente novelesca de su premisa argumental deriva en una fábula romántica, que desde luego no es el fuerte de su director, John Woo, pero que al menos sirve para que el espectador occidental se identifique con la trama y con sus héroes, algunos -como es el caso de los hermanos de sangre Guan Yu y Zhang Fei- parecidos en buena medida a las hazañas aventureras de arquetipos cinematográficos al estilo de Errol Flynn o Tyrone Power. Desde esa perspectiva, “Acantilado rojo”, ambientado al final de la dinastía Han, se puede entender como una metáfora de la inequívoca apertura a Occidente que evidencia la nación china, ahora que ha entrado en el Año del Tigre.

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Calificación:

Ficha:

Sinopsis:

Siglo IV. Egipto bajo el Imperio Romano… Las violentas revueltas religiosas en las calles de Alejandría alcanzan a su legendaria Biblioteca. Atrapada tras sus muros, la brillante astrónoma Hipatia lucha por salvar la sabiduría del Mundo Antiguo con la ayuda de sus discípulos. Entre ellos, los dos hombres que se disputan su corazón: Orestes y el joven esclavo Davo, que se debate entre el amor que le profesa en secreto y la libertad que podría alcanzar uniéndose al imparable ascenso de los cristianos.

Comentario:

Alejandro Amenábar cambia de tercio y se atreve con el péplum en esta producción de 50 millones de euros que recrea la Alejandría del Siglo IV para llevar a cabo una crítica del fundamentalismo religioso de todos los tiempos. Rachel Weisz encarna a Hipatia, la astrónoma que, aunque despierta pasiones en dos hombres –su alumno (Oscar Isaac) y esclavo (Max Minghella)-, vive completamente entregada a la ciencia, compartiendo su sabiduría sin prejuicios, con cristianos y no cristianos.

Crítica:

10-10-2.009 – ANTÓN MERIKAETXEBARRIA

Espectáculo sin alma

El hecho de enfrentarse a un péplum intelectual es ya de por sí todo un reto cinematográfico. Así lo ha entendido el siempre sorprendente Alejandro Amenábar que, con “Ágora”, procura transportar al espectador a la Alejandría del año 391 después de Cristo. Y lo hace a través del retrato de la virginal científica Hipatia, en tiempos de la dominación romana. Fabuloso personaje y sugestiva historia, que habla del conocimiento y de los siempre nefastos integrismos religiosos, vengan de donde vengan. «Valiente, dile por fin adiós a Alejandría…» dejó escrito el poeta Kavafis, que aquí podría ser la inspiración del cineasta, por la alegórica forma de mostrar a una mujer íntegra en su heroica defensa de la civilización y contra la barbarie, así como a todo un mundo sujeto a profundas transformaciones.

Los excepcionales medios de que dispone el cine (movimientos de cámara, encuadre, diversidad de planos, gama de luces, graduación del ritmo, efectos digitales,…), tienen por objeto conferir a todos los personajes, a todos los paisajes recreados, a todos los motivos psicológicos, a todos los valores éticos, morales y espirituales, una especie de sobrerrealidad. Amenábar y sus colaboradores emplean todos estos recursos con indiscutible brillantez y espectacularidad.

Sin embargo, a “Ágora” le falta alma, intensidad dramática, vibración emocional. La cámara es a la vez un microscopio y un espejo mágico. Por eso crea un rostro inmutable, el de Hipatia (encarnada por la estupelegante Rachel Weisz), al tiempo que descubre cuánto tiene de virtual y lo que posee de oscuro o latente. Pero la película se esfuma a medida que va desvelándose ante los ojos del espectador, puesto que debe ser el propio desarrollo de la historia, su autenticidad plástica, dramática, melódica incluso, las que hagan que el filme sea un testimonio veraz. Algo que no logra esta ambiciosa y densa “Ágora”, cuya escenografía denota un excesivo preciosismo, para un personaje y una historia que implicaba una rigurosa desnudez de estilo.

12-03-2.010 – JOSU EGUREN

Cleopatra frígida

Amenábar juega mejor en casa. Tras su previsible fracaso en Cannes y un severo encontronazo con los distribuidores americanos, “Ágora” ha salvado los muebles en una liga menor, la española, pero que nadie dude que fue rodada con la vista puesta en el mercado internacional. Hay caras que lo dicen todo; la de Amenábar en los Goya era un poema, y hasta el propio director tuvo que reconocer que el Malamadre de Daniel Monzón arrasaría a Hipatia, salvo milagro. Aún reconociendo sus logros técnicos, la esforzada y aséptica interpretación de Rachel Weisz o la espectacularidad de sus decorados, “Ágora” no pasa el corte ni como drama histórico ni como lección astronómica para no iniciados.

Que algunos espectadores se emocionen al descubrir la Primera Ley de Kepler es un mérito que Amenábar tiene que compartir con el Ministerio de Educación. Lo mismo puede decirse de una sesgada recreación histórica, que enfatiza los paralelismos entre una Alejandría decadente y la moderna guerra de civilizaciones. Amenábar parece interesado en escenificar el germen del conflicto a toda costa, y como quiera que las idas y venidas fratricidas entre partidarios de diversas religiones no dan para llenar el metraje, recurre a un sistema en el que los amores y celos de los caracteres masculinos describen trayectorias elípticas entorno a la filósofa. De lo concreto, el plano detalle de un pañuelo, la cámara salta a la mediocridad del plano medio sin explorar las posibilidades de la profundidad de campo. Más tarde volarán las grúas, accionadas por una partitura recurrente, los planos cenitales, la Tierra a vista de pájaro, pero la gravedad nos devuelve al piso eludiendo aportar las explicaciones lógicas de lo que sucede tras el primer acto. En el tramo previo al desenlace quiere ser emotivo y, sin embargo, las lapidaciones tienen ribetes cómicos que traen a la memoria “La vida de Brian”. Y es que en manos de Woody Allen, con un doblaje casero y unas líneas de los Monty Python, “Ágora” podría convertirse en una comedia, esta sí, memorable.

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